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Hay monstruos que necesitan varias películas para demostrar lo peligrosos que son, pero Godzilla ya dejó Japón hecho unos zorros en Godzilla Minus One y ahora regresa dispuesto a terminar el trabajo. El coloso japonés encabeza los estrenos de cine del 6 de noviembre de 2026 con Godzilla Minus Zero, la nueva película de Takashi Yamazaki, que pretende repetir el éxito de una entrega capaz de conquistar tanto a los aficionados al género como a los académicos de Hollywood. Y esta vez la situación para sus protagonistas tampoco parece especialmente prometedora.
La gran pantalla también recibe a Antonio de la Torre y Patricia López Arnaiz con Sacamantecas, un inquietante thriller inspirado en los crímenes de Juan Díaz de Garayo, mientras que Daniel Monzón recupera uno de los episodios más oscuros del franquismo en Ruega por nosotras. Warner Bros. apuesta por la animación con El gato con sombrero, George Michael vuelve a cantar en los cines gracias a imágenes recuperadas de su histórica gira Faith y Los miserables presenta una nueva adaptación de la novela de Victor Hugo, esta vez con Vincent Lindon, Tahar Rahim y Camille Cottin.
En total, repasamos 12 estrenos que llegan a las salas españolas este viernes 6 de noviembre, una semana especialmente interesante por la presencia de cine fantástico, grandes producciones internacionales, thrillers españoles, música y documentales. También hay espacio para una superproducción india sobre el Ramayana, una película dedicada a Mägo de Oz y una historia de terror que demuestra que contar hasta once puede convertirse en una experiencia bastante desagradable. Si quieres descubrir qué películas siguen proyectándose, recuerda que puedes consultar nuestra cartelera de cine y encontrar tu próxima sesión.
Godzilla Minus Zero: el monstruo japonés vuelve para terminar lo que empezó
Cuando Godzilla Minus One llegó a los cines en 2023, pocos imaginaban que una película japonesa realizada con un presupuesto muy inferior al de las grandes superproducciones de Hollywood acabaría convirtiéndose en uno de los mayores éxitos recientes de la franquicia. No solo conquistó al público con sus espectaculares secuencias de destrucción, sino que además consiguió algo histórico: ganar el Óscar a los mejores efectos visuales, demostrando que una buena puesta en escena y una historia emocionante pueden resultar mucho más importantes que disponer de cantidades ilimitadas de dinero.
Ahora Takashi Yamazaki regresa como director, guionista y responsable de los efectos visuales de Godzilla Minus Zero, una continuación ambientada dos años después de los acontecimientos de la película anterior. Ryûnosuke Kamiki, Minami Hamabe, Masami Nagasawa, Sakura Andô y Jun Kunimura forman parte del reparto de esta nueva historia, en la que Japón todavía intenta recuperarse de las consecuencias de la guerra y de la devastación provocada por el monstruo cuando una amenaza vuelve a poner en peligro cualquier posibilidad de reconstrucción.
La principal virtud de la anterior película no estaba únicamente en sus escenas de destrucción, que eran impresionantes, sino en conseguir que nos importara lo que les sucedía a las personas que intentaban sobrevivir. Yamazaki recuperó el sentido trágico del Godzilla original de 1954, utilizando a la criatura como una representación del miedo, las heridas de la guerra y las consecuencias de una catástrofe que parecía imposible de superar.
Godzilla Minus One superó los 116 millones de dólares de recaudación mundial, convirtiéndose en la producción japonesa de Godzilla más taquillera hasta entonces. Con semejante precedente, la nueva entrega afronta el desafío de ofrecer un espectáculo todavía mayor sin perder el componente humano que convirtió a su predecesora en una de las películas más apreciadas de la saga.
La cuestión ya no es si Godzilla será capaz de destruir una ciudad, porque eso lo damos por descontado, sino si Yamazaki conseguirá que volvamos a sentir la misma angustia mientras contemplamos cómo los personajes intentan sobrevivir a una criatura que no entiende demasiado bien el concepto de convivencia pacífica.
El gato con sombrero: Bill Hader pone voz al personaje más caótico de Dr. Seuss
Hay personajes infantiles que llegan para enseñar buenos modales y otros cuya principal habilidad consiste en transformar una tarde perfectamente tranquila en un auténtico desastre doméstico. El gato con sombrero pertenece sin ninguna duda a la segunda categoría, y ahora regresa al cine con una nueva adaptación animada de la obra de Dr. Seuss, dirigida por Alessandro Carloni y Erica Rivinoja para Warner Bros. Pictures Animation.
La gran novedad está en el reparto de voces original, encabezado por Bill Hader, que interpreta al extravagante felino, acompañado por Matt Berry, Quinta Brunson, Xochitl Gomez, Giancarlo Esposito, America Ferrera, Bowen Yang y Tituss Burgess. La historia presenta al Gato enfrentándose a una de sus misiones más complicadas dentro de una peculiar organización dedicada a fomentar la imaginación: conseguir que dos hermanos, Gabby y Sebastian, recuperen la alegría después de trasladarse a una nueva ciudad.
Naturalmente, el protagonista no parece dispuesto a resolver el problema con una conversación tranquila y un par de consejos razonables, sino recurriendo a su particular combinación de magia, humor y decisiones que cualquier adulto responsable desaconsejaría inmediatamente. El resultado es una aventura fantástica donde los niños descubrirán un mundo lleno de situaciones imposibles y personajes extravagantes, mientras el propio Gato intenta demostrar que todavía merece conservar su sombrero mágico.
La película tiene además el desafío de conquistar a nuevas generaciones sin olvidar que el personaje ya había protagonizado una adaptación de acción real en 2003 con Mike Myers, cuyo resultado dejó opiniones bastante divididas. Esta nueva versión apuesta por la animación para recuperar el espíritu visual y el humor absurdo de los libros originales, una decisión que parece especialmente apropiada para un universo donde prácticamente cualquier objeto puede cobrar vida y ninguna regla de la realidad está completamente a salvo.
Sacamantecas: Antonio de la Torre y Patricia López Arnaiz recuperan una historia criminal de nuestra historia
Durante generaciones, los adultos utilizaron la figura del Sacamantecas para asustar a los niños que no querían regresar a casa, aunque detrás de aquella leyenda existió un hombre real cuyos crímenes estremecieron a la sociedad española del siglo XIX. David Pérez Sañudo, director de Ane, recupera la historia de Juan Díaz de Garayo en Sacamantecas, un thriller histórico protagonizado por Antonio de la Torre, Patricia López Arnaiz, Luis Callejo, Josean Bengoetxea y Guillermo Bedward, que combina la investigación criminal con un retrato de la violencia y las desigualdades de la época.
La película nos traslada a Álava durante los últimos años de la Tercera Guerra Carlista, cuando varias mujeres comienzan a aparecer estranguladas en los alrededores de Vitoria. Ángela Berrosteguieta, hermana de una de las víctimas, llega decidida a encontrar al responsable de los asesinatos y centra sus sospechas en un campesino llamado Juan Díaz de Garayo, mientras Pío Pinedo, jefe de los alguaciles, intenta investigar unos crímenes que las autoridades preferirían mantener ocultos en un territorio ya suficientemente castigado por el conflicto.
Lo más interesante de Sacamantecas es que no necesita inventar un monstruo sobrenatural para construir una historia perturbadora, porque la realidad ofrece un material mucho más incómodo. Pérez Sañudo aborda los crímenes de Garayo prestando atención a la situación de las víctimas, a las dificultades de una investigación desarrollada con recursos limitados y a la presión de unas instituciones que tienen otras prioridades mientras las mujeres siguen desapareciendo.
La película pasó por la Sección Oficial del Festival de San Sebastián de 2026, fuera de concurso, y destaca también por un trabajo de ambientación especialmente ambicioso, con un rodaje desarrollado en diferentes localizaciones del norte de España. Para Antonio de la Torre supone otra oportunidad de demostrar su capacidad para desaparecer dentro de personajes profundamente complejos, mientras que Patricia López Arnaiz aporta la perspectiva de una mujer que se niega a aceptar que el asesinato de su hermana quede reducido a otro expediente olvidado.
Ruega por nosotras: Daniel Monzón recupera uno de los capítulos más oscuros del franquismo
Daniel Monzón ya demostró con Celda 211 que sabe convertir un espacio cerrado en el escenario de una historia cargada de tensión, pero en Ruega por nosotras cambia la prisión de aquella película por un reformatorio femenino donde la violencia se esconde detrás de la disciplina y de una supuesta preocupación por la moral. El director vuelve a colaborar con Jorge Guerricaechevarría en el guion de este drama protagonizado por Zoe Bonafonte, Manuela Calle, Carla Domínguez, María Gandiaga y Shiara Fernández, ambientado durante los últimos años de la dictadura franquista.
Barcelona, 1974. Ana tiene diecinueve años y procede de una familia acomodada que considera su comportamiento demasiado rebelde, especialmente después de una escapada nocturna que su padre interpreta como una afrenta a las normas familiares. La respuesta consiste en enviarla a Madrid e internarla en un reformatorio donde descubrirá que la obediencia se impone mediante castigos, humillaciones y un régimen disciplinario que deja muy poco espacio para cualquier forma de libertad personal.
La historia se inspira en la realidad del Patronato de Protección a la Mujer, una institución que durante décadas intervino en la vida de jóvenes consideradas moralmente desviadas o en peligro de estarlo. Monzón utiliza la experiencia de Ana para mostrar cómo aquellas mujeres podían perder su autonomía por decisiones que hoy consideraríamos parte de sus libertades más elementales, mientras la amistad con otras internas, especialmente Sole, se convierte en una forma de resistencia frente al aislamiento.
La película se presentó en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián de 2026, como proyección especial fuera de concurso, y llega a los cines con una historia que recupera una realidad todavía poco conocida para una parte importante del público. Monzón vuelve a interesarse por personajes obligados a sobrevivir dentro de sistemas donde las normas parecen diseñadas para aplastarlos, aunque esta vez el conflicto no necesita un motín para revelar hasta dónde puede llegar la violencia institucional.
Los miserables: Vincent Lindon y Tahar Rahim recuperan el clásico de Victor Hugo
Pocas novelas han sido adaptadas tantas veces como Los miserables, y aun así parece que cada generación encuentra nuevas razones para regresar a la historia de Jean Valjean, quizá porque los temas que planteó Victor Hugo continúan resultando incómodamente actuales. El director francés Fred Cavayé presenta una nueva versión de la obra, protagonizada por Vincent Lindon, Tahar Rahim, Camille Cottin, Benjamin Lavernhe y Noémie Merlant, que recupera el conflicto entre justicia, redención y desigualdad social desde una perspectiva cinematográfica de gran ambición.
Jean Valjean ha pasado diecinueve años en prisión por robar pan y, cuando finalmente recupera la libertad, descubre que la sociedad no está especialmente interesada en conceder segundas oportunidades a quienes tienen antecedentes. Tras construir una nueva identidad y conseguir una posición respetable, promete a Fantine, una trabajadora moribunda, que cuidará de su hija Cosette, una decisión que termina enfrentándolo con la familia Thénardier y con el implacable inspector Javert, decidido a demostrar que nadie puede escapar de su pasado.
La historia se desarrolla en una Francia atravesada por profundas desigualdades, conflictos políticos y movimientos revolucionarios, donde las decisiones personales de Valjean adquieren una dimensión mucho mayor de lo que podría parecer inicialmente. Cavayé ha explicado que su intención era recuperar la amplitud de la novela y acercarla también a espectadores jóvenes, aunque trasladar una obra de más de mil páginas al cine exige inevitablemente elegir qué personajes y acontecimientos deben ocupar el centro del relato.
Con una duración cercana a las tres horas, esta nueva adaptación no parece interesada en despachar rápidamente la historia de Hugo, sino en ofrecer una experiencia cinematográfica que permita comprender las transformaciones de Valjean y la importancia de su relación con Cosette. Para quienes conocen principalmente la versión musical, puede ser también una oportunidad de reencontrarse con los personajes desde otro registro, sin necesidad de esperar a que alguien comience a cantar en mitad de una discusión.
El misterio de Lucy Lost: una aventura animada sobre una niña diferente
Los pueblos pequeños suelen ser lugares donde todos creen saberlo todo sobre sus vecinos, una circunstancia que puede volverse bastante complicada cuando alguien posee habilidades que nadie comprende. Ese es el punto de partida de El misterio de Lucy Lost, una aventura de animación francesa dirigida por Olivier Clert, con guion del propio realizador y Helen Blakeman, basada en una obra del escritor Michael Morpurgo, conocido también por Caballo de batalla.
La protagonista es Lucy, una niña de once años que vive con su familia en las proximidades de una pequeña comunidad pesquera y cuya llamativa melena blanca y misteriosas visiones despiertan la curiosidad de los habitantes del lugar. Sin embargo, esa fascinación termina convirtiéndose en desconfianza, especialmente cuando los vecinos comienzan a interpretar sus habilidades como algo peligroso o imposible de explicar, obligándola a enfrentarse a la sensación de no encajar en un entorno donde las diferencias suelen despertar sospechas.
Todo cambia cuando Lucy conoce a Milly, una amiga imaginaria que la acompañará en una aventura fantástica para descubrir el origen de sus poderes y comprender qué se esconde detrás de los misterios que rodean su vida. Clert combina así elementos de fantasía, amistad y descubrimiento personal en una película orientada al público familiar, aunque también plantea cuestiones como el miedo a lo desconocido y la facilidad con la que una comunidad puede convertir la diferencia en motivo de rechazo.
George Michael: The Faith Tour devuelve a los cines una de las grandes voces del pop
Hay conciertos que se convierten en acontecimientos históricos y otros que, además, tienen la suerte de quedar registrados con suficiente calidad como para recuperar décadas después la experiencia de haber estado allí. George Michael: The Faith Tour pertenece a esta segunda categoría, ya que David Austin y Andy Morahan han construido una película musical a partir de imágenes inéditas filmadas en 35 milímetros durante dos conciertos celebrados en el Palais Omnisports de Paris-Bercy en 1988, cuando el cantante británico atravesaba uno de los momentos más importantes de su carrera.
Aquella gira llegó después de que George Michael publicara Faith, el álbum que terminó de consolidarlo como una estrella internacional más allá de su etapa en Wham! y que incluía canciones como Faith, Father Figure y One More Try. La película recupera al artista sobre el escenario, con su voz, su presencia escénica y una banda que acompañaba a uno de los músicos más populares del momento, utilizando una restauración que permite disfrutar de aquellas actuaciones con una calidad de imagen y sonido muy superior a la de las grabaciones que han circulado durante años.
La producción también incorpora una pieza dirigida por Mary McCartney, realizada con materiales de archivo y grabaciones de la época, que ayuda a contextualizar el momento personal y artístico que atravesaba el cantante. Para sus seguidores, el atractivo es evidente: volver a ver a George Michael en pantalla grande interpretando canciones que forman parte de la historia del pop, sin que la experiencia tenga que convertirse en otro documental compuesto únicamente por entrevistas y testimonios.
Puede que un concierto filmado no sustituya la emoción de haber estado en París durante aquellas noches de 1988, pero sí permite recuperar algo que ya resulta imposible disfrutar de otra manera: la presencia de un artista extraordinario en el escenario, justo cuando estaba conquistando el mundo con su primer gran proyecto en solitario.
Ramayana: El nacimiento de una leyenda, la gran superproducción fantástica de la India
Hollywood no tiene el monopolio de las grandes historias mitológicas ni de las producciones capaces de combinar dioses, reyes, guerras y efectos visuales espectaculares, algo que la industria india lleva años demostrando con películas de una ambición cada vez mayor. Nitesh Tiwari, director de Dangal, lleva ahora al cine una de las grandes epopeyas de la tradición cultural india con Ramayana: El nacimiento de una leyenda, protagonizada por Ranbir Kapoor, Yash, Sai Pallavi, Ravi Dubey y Sunny Deol.
La película recupera la historia de Rama, un príncipe cuya vida está marcada por el deber, el sacrificio y la responsabilidad, mientras su destino termina enfrentándolo con Ravana, un poderoso gobernante dominado por el orgullo y la ambición. El conflicto entre ambos adquiere dimensiones extraordinarias, porque no se trata únicamente de una rivalidad entre personajes, sino de una batalla que amenaza el equilibrio de un universo donde las decisiones humanas están profundamente relacionadas con los poderes divinos.
Uno de los grandes atractivos de esta producción es su apartado musical, que reúne a Hans Zimmer y A. R. Rahman, dos compositores de enorme prestigio internacional con estilos y trayectorias muy diferentes. Su colaboración resulta especialmente interesante para una historia cuya dimensión mitológica exige una música capaz de acompañar tanto los momentos íntimos como las grandes batallas, mientras la producción apuesta por escenarios y efectos visuales diseñados para transmitir la escala monumental de la epopeya.
Con una duración de 165 minutos, Ramayana llega a los cines españoles como una alternativa para quienes disfrutan de las grandes aventuras fantásticas y quieren descubrir otras formas de contar historias de héroes y villanos. Además, permite acercarse a un relato que ocupa un lugar fundamental en la tradición cultural india, pero que todavía resulta menos familiar para buena parte del público occidental que las leyendas griegas o los mitos nórdicos que Hollywood ha utilizado durante décadas.
El contrato (Un pacto con el diablo): Kevin Spacey y Eric Roberts en un thriller sobrenatural
Los periodistas cinematográficos llevan décadas encontrando problemas cada vez que intentan destapar una conspiración, aunque normalmente sus investigaciones no terminan involucrando directamente a fuerzas demoníacas. Esa es la propuesta de El contrato (Un pacto con el diablo) (The Contract), un thriller italiano dirigido por Massimo Paolucci y protagonizado por Kevin Spacey, Eric Roberts, Vincent Spano, Jennifer Caroletti y Mercedesz Henger, que combina una investigación criminal con elementos de suspense sobrenatural.
Giuseppe es un periodista cuya carrera atraviesa uno de sus peores momentos y que cree encontrar la oportunidad de recuperar su prestigio cuando comienza a investigar la misteriosa muerte de un compañero conocido. Convencido de que puede conseguir una exclusiva capaz de cambiar su futuro profesional, empieza a seguir diferentes pistas, aunque pronto descubre que cada encuentro y cada decisión parecen formar parte de un plan mucho más elaborado de lo que imaginaba.
A medida que avanza en la investigación, Giuseppe comienza a sospechar que alguien está manipulando sus movimientos y que la verdad detrás del asesinato podría estar relacionada con una presencia diabólica. Paolucci construye así una historia donde la ambición profesional se convierte en el punto débil de un protagonista dispuesto a sacrificar demasiadas cosas por alcanzar el éxito, una combinación de thriller y relato sobrenatural que juega con la idea clásica de vender el alma al diablo, aunque aquí el contrato parece esconderse detrás de una investigación periodística.
La película, producida en 2024, llega ahora a las salas españolas como una propuesta de distribución más limitada, especialmente dirigida a quienes disfrutan de historias donde las conspiraciones y los peligros sobrenaturales terminan mezclándose hasta hacer imposible distinguir quién controla realmente los acontecimientos.
Fiesta Pagäna: la historia de Mägo de Oz llega a la gran pantalla
Pocas bandas españolas han conseguido construir un universo musical tan reconocible como Mägo de Oz, que convirtió la mezcla de heavy metal y folk celta en una seña de identidad capaz de reunir a generaciones de seguidores. Ahora su trayectoria llega al cine con Fiesta Pagäna, una película dirigida por Álvaro Brechner, responsable de La noche de 12 años, y protagonizada por Adrián Lastra, Adrià Mondaray, Guillermo Furiase, Jorge López y Carlos Librado ‘Nene’, entre otros intérpretes.
La historia se remonta a finales de los años ochenta, cuando un grupo de jóvenes músicos decide apostar por una combinación de estilos que no parecía precisamente la fórmula más sencilla para triunfar en la industria discográfica española. Lo que comienza como una aventura entre amigos termina convirtiéndose en una banda capaz de llenar grandes recintos y conquistar seguidores fuera de nuestras fronteras, aunque ese crecimiento también trae consigo tensiones personales, disputas creativas y decisiones que amenazan con destruir las relaciones que hicieron posible el proyecto.
Uno de los principales reclamos está en el reparto, especialmente por la presencia de Adrián Lastra como Txus di Fellatio, fundador y batería del grupo, mientras que Adrià Mondaray interpreta a José Andrëa, uno de sus vocalistas más emblemáticos. La película combina la reconstrucción de momentos importantes de la carrera de Mägo de Oz con una mirada hacia las relaciones personales y los conflictos que surgieron detrás de los escenarios, intentando mostrar qué ocurre cuando un sueño compartido termina convirtiéndose en un fenómeno de masas.
Brechner, que ya demostró su capacidad para abordar personajes históricos y situaciones emocionalmente complejas, tiene aquí el desafío de encontrar una historia cinematográfica dentro de una trayectoria musical conocida por miles de seguidores. Más allá de recuperar canciones que forman parte de la memoria colectiva del rock español, Fiesta Pagäna plantea una reflexión sobre la amistad, el éxito y el precio que algunas personas terminan pagando por alcanzar aquello que siempre habían deseado.
11: una excursión scout donde las cuentas no salen
Las excursiones de montaña suelen venir acompañadas de consejos básicos sobre seguridad, especialmente cuando se trata de grupos de niños que deben permanecer juntos y seguir las instrucciones de sus monitores. Pero nadie parece haber preparado un protocolo para lo que sucede en 11, una película de terror española dirigida por Clàudia Serra y Paula Serra, con Mia Sala-Patau, Pablo Scapigliati, Abel Amigó, Jael Borrás y Marc Vila entre sus jóvenes intérpretes.
La historia sigue a un grupo de diez scouts que viaja acompañado por dos monitores hasta un refugio de montaña, donde una fuerte tormenta de nieve termina dejándolos aislados, sin comunicaciones y con pocas posibilidades de recibir ayuda inmediata. Mientras intentan organizarse para resistir las bajas temperaturas, los responsables del grupo deciden realizar un recuento para asegurarse de que todos están a salvo, pero descubren algo que resulta imposible de explicar: en lugar de diez niños, ahora hay once.
Nadie reconoce al recién llegado, ninguno de los excursionistas recuerda haberlo visto antes y, sin embargo, el misterioso muchacho se encuentra entre ellos como si siempre hubiera formado parte de la expedición. Lo que comienza como una situación desconcertante termina convirtiéndose en una fuente de paranoia cuando algunos integrantes del grupo empiezan a sospechar que el desconocido no tiene buenas intenciones.
La película utiliza una premisa muy sencilla para construir una historia de terror donde el aislamiento y la desconfianza resultan tan peligrosos como el propio entorno natural. Además, el hecho de que los protagonistas sean niños permite explorar cómo se desarrolla el miedo dentro de un grupo obligado a convivir en un espacio cerrado, especialmente cuando nadie puede explicar quién es realmente el intruso que ha aparecido entre ellos. Una propuesta que demuestra que, a veces, el terror comienza cuando alguien decide volver a contar.
Por qué no escribo nada: Carmen Laforet recupera su voz en un documental sobre la libertad
Carmen Laforet tenía apenas veintitrés años cuando escribió Nada, una novela que revolucionó la literatura española y la convirtió inmediatamente en una de las autoras más prometedoras de su generación. Sin embargo, su trayectoria posterior quedó marcada por una producción literaria mucho más reducida de lo que muchos esperaban, alimentando durante décadas la idea de que aquella joven escritora había perdido la inspiración o había sido incapaz de superar el éxito de su primera obra.
La directora Isabel Fernández cuestiona esa interpretación en Por qué no escribo nada, un documental que recupera textos, correspondencia y materiales personales de Laforet para explorar cómo las expectativas sociales, las restricciones de la época y el deseo de vivir según sus propias convicciones condicionaron su relación con la escritura. Mónica López presta su voz y presencia a la autora, mientras que escritoras como Najat El Hachmi, Laura Freixas, Karmele Jaio, Elsa López y Ana Merino participan en una película que busca recuperar una figura mucho más compleja de lo que suele sugerir su biografía más conocida.
El documental se interesa especialmente por la dificultad de mantener una identidad creativa propia dentro de una sociedad que imponía numerosas limitaciones a las mujeres, planteando que el supuesto silencio de Laforet quizá no pueda entenderse únicamente como una falta de producción literaria. Fernández recupera la mirada crítica de la escritora, su independencia intelectual y su resistencia a aceptar algunas de las expectativas que el éxito había colocado sobre sus hombros, construyendo un retrato que conecta su experiencia personal con cuestiones que continúan siendo relevantes.
Por qué no escribo nada pasó por el BCN Film Fest de 2026, donde recibió el reconocimiento a la mejor música, y también obtuvo el premio a la mejor dirección foránea en los Premios Cinerama Canarias. Su llegada a las salas permite redescubrir a una de las figuras fundamentales de la literatura española del siglo XX desde una perspectiva que presta tanta atención a sus libros como a las circunstancias que condicionaron su vida.
¿Qué película vas a ver este fin de semana?
La cartelera del 6 de noviembre de 2026 ofrece una combinación especialmente interesante de grandes producciones, cine español y propuestas que probablemente encontrarán su público en salas más especializadas. Godzilla Minus Zero es el gran reclamo para quienes disfrutan del espectáculo cinematográfico, sobre todo después de que su predecesora demostrara que todavía era posible recuperar la fuerza del monstruo japonés sin convertir cada secuencia en una competición de explosiones. Para las familias, El gato con sombrero y El misterio de Lucy Lost ofrecen aventuras animadas muy diferentes, mientras que Ramayana: El nacimiento de una leyenda apuesta por una fantasía épica de dimensiones monumentales.
El cine español tiene una presencia especialmente destacada gracias a Sacamantecas y Ruega por nosotras, dos películas que recuperan episodios oscuros de nuestra historia desde perspectivas muy diferentes, aunque también encontramos propuestas como 11, que utiliza una excursión scout para construir una inquietante historia de terror, y Fiesta Pagäna, dedicada a una de las bandas más populares del rock nacional. Por su parte, George Michael: The Faith Tour permitirá recuperar un concierto histórico, Los miserables ofrece una nueva lectura de Victor Hugo y Por qué no escribo nada reivindica la figura de Carmen Laforet, mientras que El contrato completa la selección con una historia de intriga sobrenatural.
Ahora toca elegir: si solo pudieras comprar una entrada este fin de semana, ¿te quedarías con Godzilla, con el nuevo thriller de Antonio de la Torre o con alguna de las propuestas menos conocidas? Nos encantará leer tus preferencias en los comentarios, especialmente si descubres una película que merece más atención de la que está recibiendo.
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