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Johnny Depp regresa a la gran pantalla convertido en uno de los personajes más famosos de Charles Dickens, aunque esta vez la Navidad promete ser bastante más inquietante de lo habitual. Scrooge y los fantasmas de la Navidad recupera la historia del avaro Ebenezer Scrooge bajo la dirección de Ti West, el cineasta responsable de X, Pearl y MaXXXine, una elección que ya debería advertirnos de que los espíritus de las Navidades pasadas, presentes y futuras no tienen por qué ser unos visitantes especialmente agradables.
Pero el viernes 13 de noviembre de 2026 también trae el regreso de Martin McDonagh con Wild Horse Nine, una comedia negra protagonizada por John Malkovich, Sam Rockwell y Steve Buscemi que nos lleva hasta Chile poco antes del golpe de Estado de 1973. David Leitch reúne a Nicholas Hoult y Zoë Kravitz en Cómo robar un banco, mientras que Maika Monroe demuestra que las institutrices victorianas también pueden convertirse en auténticas pesadillas con Victorian Psycho. Y por si faltaban grandes nombres, Matthew McConaughey y Kurt Russell protagonizan Los rivales de Amziah King, una historia donde la música, los negocios y las rivalidades familiares terminan mezclándose de una manera bastante peligrosa.
El cine español también reclama su espacio con El niño, la adaptación de la novela de Fernando Aramburu que dirige Mariano Barroso con Belén Cuesta y Karra Elejalde, y con La violinista, una coproducción animada que llega respaldada por dos importantes premios del Festival de Annecy. A ellos se suman documentales sobre el flamenco, Fermín Muguruza y dos grandes nombres de nuestra gastronomía, además de propuestas familiares, cine independiente y un drama histórico dedicado a los primeros años de George Washington.
En total, repasamos los 17 estrenos de cine del 13 de noviembre de 2026 incluidos en la cartelera de esta semana, una selección especialmente variada donde conviven grandes producciones de Hollywood y películas que probablemente llegarán a un número más reducido de salas. Como siempre, puedes consultar nuestra cartelera de cine para descubrir qué títulos están disponibles y elegir tu próxima sesión.
Scrooge y los fantasmas de la Navidad: Johnny Depp regresa al universo de Charles Dickens
Parece que Hollywood nunca se cansa de adaptar Cuento de Navidad, aunque tampoco resulta complicado comprender por qué cuando Charles Dickens creó un personaje capaz de sobrevivir a casi dos siglos de versiones cinematográficas. Esta vez Johnny Depp interpreta a Ebenezer Scrooge en Scrooge y los fantasmas de la Navidad (Ebenezer), una nueva adaptación dirigida por Ti West, cuyo reparto incluye también a Ian McKellen, Rupert Grint, Sam Claflin, Daisy Ridley, Andrea Riseborough y Arthur Conti. La combinación resulta especialmente interesante porque el responsable de la trilogía formada por X, Pearl y MaXXXine se enfrenta ahora a un clásico literario que siempre ha tenido una relación bastante estrecha con las historias de fantasmas.
La película nos traslada al Londres victoriano, donde Scrooge continúa dedicado a acumular dinero mientras contempla con desprecio cualquier celebración navideña que implique compartir algo con los demás. Su existencia parece perfectamente organizada alrededor del egoísmo hasta que una serie de apariciones sobrenaturales lo obliga a recorrer diferentes momentos de su pasado, presente y futuro, enfrentándolo a las decisiones que lo convirtieron en un hombre solitario y a las consecuencias que todavía está a tiempo de evitar.
La elección de West como director invita a esperar una aproximación especialmente atmosférica a una historia que, aunque solemos asociar con la Navidad familiar, tiene ingredientes de terror suficientes como para inquietar a cualquier espectador. Dickens escribió un relato poblado de espectros, remordimientos y visiones de la muerte, elementos que permiten explorar a Scrooge como un hombre perseguido por sus propios errores y no únicamente como un anciano gruñón al que los fantasmas enseñan a ser generoso.
Para Depp supone además la oportunidad de encarnar otro personaje excéntrico dentro de una filmografía repleta de figuras extravagantes, mientras que Ian McKellen y el resto del reparto añaden atractivo a una producción que llega cuando las primeras luces navideñas empiezan a conquistar las calles. Si esta versión consigue equilibrar la fantasía con el componente inquietante del relato original, podríamos encontrarnos con una adaptación capaz de interesar tanto a los aficionados a Dickens como a quienes disfrutan del cine de terror más elegante.
Wild Horse Nine: John Malkovich y Sam Rockwell se meten en un buen lío en Chile
Martin McDonagh tiene una habilidad especial para reunir a personajes que parecen incapaces de mantener una conversación normal sin terminar insultándose, amenazándose o destapando algún secreto bastante desagradable. Después de Escondidos en Brujas, Tres anuncios en las afueras y Almas en pena de Inisherin, el director y guionista regresa con Wild Horse Nine, una comedia negra protagonizada por John Malkovich, Sam Rockwell y Steve Buscemi, acompañados por Mariana di Girolamo, Ailín Salas y Bastián Bodenhöfer, que sitúa su historia en Chile durante uno de los momentos más convulsos de su historia reciente.
La acción transcurre poco antes del golpe de Estado de 1973, cuando dos veteranos agentes de la CIA, Chris y Lee, reciben la orden de abandonar Santiago para viajar hasta la Isla de Pascua por indicación de su superior, interpretado por Buscemi. Lo que inicialmente parece una misión alejada de los principales acontecimientos políticos comienza a complicarse cuando los protagonistas se enfrentan a cuestiones pendientes de sus respectivos pasados y Chris establece una relación inesperada con dos jóvenes estudiantes, cuyo interés por los movimientos políticos y sociales de la época amenaza con alterar los planes de todos los implicados.
La película tuvo su presentación internacional en el Festival de Venecia de 2026, donde John Malkovich obtuvo el premio al mejor actor, y posteriormente formó parte de la sección Perlak del Festival de San Sebastián. Un recorrido que refuerza el interés por una producción en la que McDonagh vuelve a combinar conflictos políticos, relaciones personales complicadas y ese humor negro tan característico de sus guiones.
El encuentro entre Malkovich y Rockwell parece diseñado para disfrutar de unos diálogos donde nadie dice exactamente lo que piensa y cualquier conversación puede tomar un rumbo inesperado, mientras la presencia de Buscemi añade otro intérprete especialmente apropiado para el universo del cineasta. Además, situar la historia en la Isla de Pascua antes de un acontecimiento histórico tan relevante permite jugar con el contraste entre un paisaje aparentemente paradisíaco y las tensiones que acompañan a unos personajes incapaces de escapar de sus propias contradicciones.
Cómo robar un banco: Nicholas Hoult y Zoë Kravitz llevan los atracos a las redes sociales
Los ladrones de bancos del cine clásico solían preocuparse por evitar las cámaras de seguridad y desaparecer antes de que llegara la policía, pero los protagonistas de Cómo robar un banco (How to Rob a Bank) parecen pertenecer a una generación que no termina de comprender el sentido de mantener un perfil bajo. David Leitch, responsable de Bullet Train, Deadpool 2 y El especialista, dirige este thriller de acción protagonizado por Nicholas Hoult, Zoë Kravitz, Christian Slater, Pete Davidson y John C. Reilly, donde los atracos se convierten también en acontecimientos diseñados para triunfar en internet.
La historia sigue a una banda de delincuentes que ha perfeccionado sus técnicas hasta el punto de retransmitir sus golpes a través de las redes sociales, utilizando su creciente popularidad como parte de una estrategia que mezcla el desafío a las autoridades con el deseo de convertirse en figuras reconocibles. Sin embargo, cuanto mayor es su fama, más atención despiertan entre quienes intentan detenerlos, especialmente un veterano agente del FBI y una ingeniera de software que comienzan a seguir sus movimientos y a descubrir las debilidades de una organización convencida de que siempre lleva varios pasos de ventaja.
Leitch ha construido buena parte de su carrera alrededor de secuencias de acción elaboradas y personajes que encuentran tiempo para hacer comentarios sarcásticos incluso cuando alguien intenta acabar con ellos, un estilo que encaja especialmente bien con una historia donde el espectáculo y la búsqueda de atención forman parte del propio delito. La presencia de Hoult y Kravitz añade atractivo a una producción que tiene la oportunidad de utilizar el mundo de las redes sociales para actualizar el cine de atracos sin perder sus elementos tradicionales: una banda con demasiada confianza, una investigación que empieza a dar resultados y un último golpe que promete complicarlo todo.
Victorian Psycho: Maika Monroe convierte una mansión inglesa en un matadero
El cine lleva décadas enseñándonos que contratar personal para una gran mansión victoriana puede ser una decisión bastante arriesgada, especialmente cuando la candidata parece demasiado educada para resultar completamente sincera. Zachary Wigon dirige Victorian Psycho, adaptación de la novela de la escritora española Virginia Feito, que también firma el guion, con Maika Monroe, Thomasin McKenzie, Jason Isaacs, Ruth Wilson y Evie Templeton entre sus protagonistas.
La historia comienza en 1858, cuando Winifred Notty llega a Ensor House para trabajar como institutriz de los hijos de una familia aristocrática. Su apariencia tranquila, su comportamiento disciplinado y sus modales impecables parecen convertirla en la candidata perfecta para un hogar donde las convenciones sociales resultan fundamentales, pero pronto comienzan a producirse desapariciones entre el servicio doméstico y pequeños acontecimientos que revelan que la nueva empleada oculta una personalidad bastante más inquietante de lo que cualquiera podía imaginar.
El gran atractivo está en ver a Monroe, protagonista de It Follows y Longlegs, interpretando a una mujer que no necesita la presencia de ninguna entidad sobrenatural para sembrar el horror a su alrededor. La película utiliza la rigidez de la sociedad victoriana y las normas de comportamiento de la aristocracia como una forma de ocultar una violencia que termina resultando todavía más perturbadora por el contraste con la aparente elegancia del entorno.
Feito construyó su novela alrededor de una protagonista cuya visión del mundo está completamente alejada de cualquier noción convencional de empatía, de manera que la adaptación tiene la oportunidad de recuperar un tipo de terror donde el peligro no procede de fantasmas ni criaturas monstruosas, sino de una persona perfectamente integrada en la vida cotidiana de quienes la rodean. Para los aficionados al género, Victorian Psycho es una de las propuestas más sugerentes de un viernes 13 que parece especialmente apropiado para descubrir qué sucede cuando la institutriz es mucho más peligrosa que los niños a los que debería educar.
El niño: Belén Cuesta y Karra Elejalde afrontan una tragedia real
Hay historias que resultan difíciles de contar precisamente porque sabemos que detrás de la ficción existieron personas reales cuyas vidas quedaron marcadas para siempre. Mariano Barroso dirige El niño, adaptación de la novela homónima de Fernando Aramburu, con Belén Cuesta, Karra Elejalde, Pep Ambròs, Leyre Berrocal y Raquel Ferri en el reparto, y recupera una de las tragedias más dolorosas de la historia reciente del País Vasco: la explosión de gas ocurrida en un colegio de Ortuella en octubre de 1980.
La película sigue a Mariaje y Nicasio, madre y abuelo de uno de los niños fallecidos en aquella catástrofe, que dejó 53 víctimas mortales y conmocionó a toda España. Sus vidas quedan alteradas por una pérdida imposible de asumir de manera sencilla, especialmente porque cada uno intenta afrontar el duelo desde una perspectiva diferente, buscando respuestas y mecanismos de supervivencia emocional en una realidad donde nada parece tener demasiado sentido después de lo sucedido.
Barroso, ganador del Goya al mejor guion adaptado por Todas las mujeres, regresa a la dirección de largometrajes con una historia que pone el acento en las consecuencias íntimas de un acontecimiento colectivo, evitando que las cifras de la tragedia oculten el sufrimiento de quienes tuvieron que continuar viviendo después de ella. La interpretación de Belén Cuesta y Karra Elejalde constituye uno de sus principales atractivos, especialmente por su capacidad para transmitir emociones complejas sin necesidad de recurrir constantemente a grandes escenas dramáticas.
El niño se estrena en los cines españoles el 13 de noviembre y llegará a Netflix el 27 de noviembre de 2026, por lo que quienes prefieran descubrir la nueva película de Barroso en pantalla grande tendrán la oportunidad de hacerlo antes de su incorporación al catálogo de la plataforma. Una propuesta especialmente relevante dentro del cine español de esta semana, tanto por la importancia de la historia que recupera como por el reto de trasladar al cine una de las novelas más personales de Aramburu.
La violinista: una historia de amor y guerra que ha conquistado Annecy
La animación continúa demostrando que puede contar historias profundamente adultas sin necesidad de recurrir a los códigos del cine familiar, y La violinista es una buena prueba de ello. Ervin Han y Raúl García dirigen esta coproducción de España, Singapur e Italia, un drama romántico ambientado durante la Segunda Guerra Mundial que utiliza la música como uno de sus principales elementos narrativos y que llega a los cines después de conseguir dos importantes reconocimientos internacionales.
La historia comienza cuando un periodista español investiga el origen de un viejo violín y termina descubriendo la relación entre Kai y Fei, dos jóvenes músicos que soñaban con construir una vida juntos en el Singapur de 1941. La invasión japonesa de Malasia destruye sus planes cuando Kai decide incorporarse a la Resistencia y promete regresar junto a Fei, aunque desaparece sin dejar noticias sobre su destino. Durante los veinte años siguientes, ella desarrolla una exitosa carrera internacional como violinista mientras mantiene viva la esperanza de reencontrarse con el hombre al que amaba.
La violinista hizo historia en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy de 2026, donde consiguió el Cristal al mejor largometraje, convirtiéndose en la primera producción española que obtenía ese reconocimiento. También ganó el Premio SACEM a la mejor música original, compuesta por Ricky Ho e Isabel Latorre, dos galardones que refuerzan el atractivo de una película cuyo planteamiento visual y musical parece especialmente ambicioso.
Raúl García, que trabajó durante años en la animación de Disney y participó en títulos como Aladdín y El rey león, vuelve así a demostrar que la industria española puede competir en los principales festivales internacionales cuando apuesta por proyectos con una identidad artística propia. La película ofrece una alternativa para quienes buscan historias sentimentales y dramas históricos, pero también para quienes disfrutan descubriendo nuevas formas de utilizar la animación como un lenguaje cinematográfico capaz de llegar mucho más allá del público infantil.
Washington: El origen de un líder, los años que forjaron al primer presidente estadounidense
Antes de convertirse en uno de los grandes personajes de la historia de Estados Unidos, George Washington fue un joven oficial que tuvo que aprender a sobrevivir en un territorio donde las alianzas políticas y militares podían cambiar con tanta rapidez como el resultado de una batalla. Jon Erwin, vinculado a producciones como Jesus Revolution, dirige Washington: El origen de un líder (Young Washington), un drama histórico protagonizado por William Franklyn-Miller, Mary-Louise Parker, Leo Hanna, Mia Rodgers y Joel David Smallbone, que se interesa por la etapa anterior a la independencia estadounidense.
La película presenta a Washington cuando todavía está construyendo su carrera militar y se ve involucrado en un conflicto que termina adquiriendo consecuencias internacionales, obligándolo a enfrentarse a decisiones donde el honor, la lealtad y la supervivencia no siempre resultan compatibles. Mientras las tensiones en la frontera aumentan y las relaciones entre los diferentes territorios empiezan a deteriorarse, el joven protagonista descubre que los errores pueden tener consecuencias mucho mayores de lo que imaginaba.
Erwin apuesta por una aproximación biográfica centrada en la transformación de un personaje histórico que todavía no conoce el papel que terminará desempeñando en el futuro de su país. La película permite recuperar acontecimientos que suelen quedar eclipsados por la Guerra de Independencia y por la posterior presidencia de Washington, ofreciendo una mirada a sus primeros años de formación militar y política desde una perspectiva de aventura histórica y drama personal.
¿Me entiendes o te lo explico?: Macarena Gómez y Bárbara Rey viajan al Madrid de 1992
El Madrid de comienzos de los noventa estaba cambiando a una velocidad considerable, especialmente en barrios como Chueca, que empezaban a convertirse en espacios de referencia para una comunidad que buscaba mayor visibilidad y libertad. Jordi Calvet recupera ese ambiente en ¿Me entiendes o te lo explico?, una comedia protagonizada por Macarena Gómez, Bárbara Rey, Christina Rapado, Pablo Puyol y Mari Cielo Pajares, que utiliza un negocio al borde de la ruina como punto de partida para contar una historia sobre amistad, supervivencia y transformación social.
La trama se sitúa en la primavera de 1992, cuando Pepe regenta una taberna catalana en Madrid que atraviesa uno de sus peores momentos económicos. Las deudas se acumulan, su matrimonio termina de manera desastrosa y el futuro del local parece cada vez más complicado, hasta que sus amigos intervienen para impedir que tome una decisión desesperada y le proponen una alternativa que, en aquel contexto, resulta bastante atrevida: transformar la taberna en un local de ambiente gay.
Calvet utiliza esa premisa para construir una comedia sobre personajes que descubren nuevas oportunidades precisamente cuando creen haberlo perdido todo, recuperando además una época especialmente significativa para la historia reciente de España. La película combina el humor con la reivindicación de espacios de convivencia y libertad, y cuenta con un reparto donde coinciden intérpretes de distintas generaciones, algo que encaja con una historia interesada tanto en el cambio social como en la posibilidad de reinventarse personalmente.
El tren fluvial: un niño argentino busca su propio camino hacia Buenos Aires
La infancia suele estar marcada por lugares que parecen enormes cuando todavía no conocemos el mundo, aunque a veces basta con imaginar lo que existe más allá de nuestro pueblo para descubrir que la vida podría ofrecer posibilidades muy diferentes. Lorenzo Ferro y Lucas Vignale dirigen El tren fluvial, un drama argentino protagonizado por Milo Barria, Mariano Barria, Fabian Casas, Rita Pauls y Lucrecia Pazos, que recupera esa mezcla de curiosidad, deseo de libertad y miedo que acompaña a los primeros pasos hacia la independencia.
Milo tiene nueve años y vive en una localidad apartada de Argentina, donde dedica buena parte de su tiempo a entrenarse como bailarín de malambo, una danza tradicional que exige una enorme disciplina física. Sin embargo, mientras aprende los movimientos y las rutinas que forman parte de su vida cotidiana, empieza a imaginar la posibilidad de viajar en tren hasta Buenos Aires, una ciudad que conoce principalmente a través de las películas y que representa para él un universo completamente diferente del entorno en el que ha crecido.
La película utiliza el viaje como una metáfora del descubrimiento personal, interesándose por la distancia que existe entre los sueños infantiles y las limitaciones que imponen las circunstancias familiares y sociales. Ferro y Vignale apuestan por una historia de crecimiento narrada desde la perspectiva de un niño que todavía no comprende todos los riesgos del mundo adulto, pero que comienza a reconocer la necesidad de tomar decisiones propias para descubrir qué quiere hacer con su vida.
Ratones al ataque: Operación Navidad, una guerra familiar por el control de una casa
La Navidad suele presentarse en el cine como una época de reuniones familiares, regalos y buenos sentimientos, aunque cualquiera que haya tenido que compartir una casa durante varios días con demasiados invitados sabe que la convivencia puede convertirse en un auténtico desafío. Henrik Martin Dahlsbakken dirige Ratones al ataque: Operación Navidad (A Mouse Hunt for Christmas), una comedia noruega de aventuras familiares que recupera esa situación desde una perspectiva bastante peculiar: dos familias, una humana y otra de ratones, están convencidas de que tienen derecho a celebrar las fiestas en el mismo hogar.
Los pequeños roedores llevan tiempo preparando su Navidad perfecta cuando descubren que una familia humana también ha elegido aquella casa para pasar las vacaciones, una circunstancia que amenaza con arruinar sus planes y obliga a ambos bandos a iniciar una batalla donde las trampas, los engaños y las estrategias domésticas adquieren dimensiones cada vez más disparatadas. Lo que inicialmente parece un conflicto sencillo por el espacio termina convirtiéndose en una competición donde ninguno de los protagonistas está dispuesto a ceder fácilmente.
La película apuesta por el humor físico, las situaciones familiares reconocibles y el contraste entre las dimensiones de los personajes, ofreciendo una aventura que recuerda a esas comedias donde los pequeños habitantes de una casa demuestran que pueden causar problemas enormes. Para quienes buscan una sesión con niños y quieren empezar a entrar en ambiente navideño, Ratones al ataque: Operación Navidad se presenta como una opción que combina ternura, travesuras y una guerra doméstica donde, por suerte, las consecuencias parecen bastante menos graves que las de cualquier película de terror.
Los rivales de Amziah King: Matthew McConaughey y Kurt Russell se enfrentan por un imperio de miel
Cuando uno piensa en grandes conflictos criminales del cine estadounidense, lo habitual es imaginar organizaciones dedicadas al tráfico de drogas, bancos o negocios ilegales, pero Andrew Patterson ha encontrado un escenario bastante menos convencional para construir su nuevo thriller: la industria de la miel en Oklahoma. Los rivales de Amziah King (The Rivals of Amziah King) está protagonizada por Matthew McConaughey, Kurt Russell, Cole Sprouse, Tony Revolori y Owen Teague, y supone el regreso del director de The Vast of Night con una historia que mezcla música, relaciones familiares y tensiones empresariales.
McConaughey interpreta a Amziah King, un hombre carismático que dirige una banda de música bluegrass formada por personajes poco convencionales mientras mantiene el principal negocio de producción de miel de su comunidad. Su vida cambia cuando reaparece Kateri, su hija de acogida, con quien había perdido el contacto, y ambos comienzan a reconstruir su relación alrededor de la posibilidad de trabajar juntos y convertir la empresa en un proyecto familiar. Sin embargo, los competidores de Amziah no parecen dispuestos a permitir que conserve su posición sin luchar, y pronto las rivalidades económicas empiezan a convertirse en amenazas mucho más personales.
La película tuvo su estreno mundial en el Festival South by Southwest de 2025, iniciando un recorrido internacional antes de llegar a las salas españolas este noviembre. Patterson, que sorprendió con una primera película de ciencia ficción especialmente atmosférica, se interesa ahora por un territorio rural donde la música y la tradición conviven con conflictos que pueden resultar mucho más violentos de lo que sugiere una actividad aparentemente tan pacífica como producir miel. La presencia de McConaughey y Russell constituye uno de los principales reclamos de un thriller que promete mostrar otra cara de la América profunda.
Jaleos: Isaki Lacuesta descubre las conexiones más inesperadas del flamenco
El flamenco es uno de los grandes símbolos culturales de España, pero su historia resulta bastante más compleja que la imagen que suele acompañarlo en determinados espectáculos destinados al turismo. Isaki Lacuesta, director de Entre dos aguas y Segundo premio, se adentra en ese universo con Jaleos, un documental que cuenta con la participación de C. Tangana, Rocío Molina, Georges Didi-Huberman y Pedro G. Romero, además de otras voces vinculadas a la música, la danza y la investigación cultural.
La película propone un recorrido por algunos de los episodios menos conocidos de la historia del flamenco, explorando sus relaciones con el cine, las vanguardias artísticas, la tecnología y diferentes movimientos políticos e intelectuales. A partir de actuaciones, testimonios y materiales históricos, Lacuesta construye un relato que conecta épocas y disciplinas aparentemente alejadas, demostrando que el flamenco ha mantenido una conversación constante con otras formas de expresión cultural desde mucho antes de que comenzara a conquistar los escenarios internacionales.
El documental resulta especialmente interesante por su voluntad de evitar una mirada exclusivamente nostálgica, ya que se interesa por la capacidad del flamenco para transformarse y dialogar con el presente. La participación de artistas como C. Tangana y Rocío Molina refuerza esa idea de continuidad entre tradición y experimentación, mientras que las aportaciones de historiadores y especialistas permiten descubrir conexiones que difícilmente encontraríamos en una aproximación convencional al género. Una propuesta para quienes disfrutan de la música, pero también para quienes quieren comprender cómo evoluciona una manifestación artística capaz de reinventarse constantemente.
Muguruza FM 40 Tour: cuatro décadas de música y compromiso de Fermín Muguruza
Hay músicos cuya trayectoria resulta imposible separar de los acontecimientos políticos y culturales que han marcado varias generaciones, y Fermín Muguruza pertenece sin duda a esa categoría. Ander Merino y el propio Muguruza dirigen Muguruza FM 40 Tour, un documental que recupera su última gran gira internacional y celebra cuarenta años de una carrera musical que comenzó con Kortatu, continuó con Negu Gorriak y terminó convirtiéndose en un proyecto artístico y cultural mucho más amplio que cualquier banda concreta.
La película acompaña al músico a través de conciertos, viajes y encuentros con seguidores que han crecido escuchando sus canciones, mostrando cómo su trayectoria ha conseguido mantener un vínculo especialmente intenso con públicos de diferentes generaciones. Las actuaciones constituyen una parte importante del documental, aunque la historia también se interesa por lo que ocurre fuera del escenario, desde la organización de una gira de grandes dimensiones hasta las conversaciones y recuerdos que permiten comprender la evolución de un artista que siempre ha defendido una relación estrecha entre música, identidad y compromiso social.
Muguruza FM 40 Tour ofrece así una mirada a cuatro décadas de historia musical y cultural, utilizando el directo como punto de partida para recuperar una trayectoria que ha atravesado diferentes estilos, movimientos y contextos políticos. Para quienes siguieron a Kortatu y Negu Gorriak durante los años ochenta y noventa, el documental tiene un evidente componente emocional, mientras que las nuevas generaciones pueden descubrir por qué algunas canciones continúan funcionando como referentes de una memoria colectiva que va mucho más allá de la música.
Subijana, más allá de un bigote: el cocinero que ayudó a cambiar la gastronomía española
Durante décadas, Pedro Subijana ha sido uno de los rostros más reconocibles de la alta cocina española, especialmente gracias a su trabajo al frente del restaurante Akelarre y a su participación en el movimiento de la Nueva Cocina Vasca. Sin embargo, detrás de su famoso bigote existe una trayectoria personal y profesional que merece una mirada más amplia, y ese es precisamente el objetivo de Subijana, más allá de un bigote, un documental dirigido por Jorge Fernández Mayoral y Jesús Javier Ruiz Aquerreta que recupera más de cincuenta años de dedicación a la gastronomía.
La película acompaña al cocinero en un recorrido por sus recuerdos, sus decisiones profesionales y las relaciones que han marcado su manera de entender la cocina, prestando especial atención a un momento en el que diferentes chefs vascos comenzaron a cuestionar algunas de las convenciones culinarias que parecían intocables. Aquella transformación permitió combinar el respeto por los productos y las recetas tradicionales con nuevas técnicas y presentaciones, contribuyendo decisivamente a situar la gastronomía española entre las más reconocidas del mundo.
Más allá de los platos espectaculares y los reconocimientos, el documental se interesa por la transmisión del conocimiento y por la responsabilidad de quienes han construido una carrera extraordinaria a la hora de formar a nuevas generaciones. Subijana aparece así como un cocinero que continúa vinculado a la evolución de su oficio, pero también como alguien que ha dedicado buena parte de su vida a demostrar que la creatividad y la tradición no tienen por qué estar enfrentadas.
Noor: Cocinar pasados posibles, el restaurante que investiga la historia para crear nuevos platos
La gastronomía suele mirar al pasado para recuperar recetas familiares y tradiciones que han sobrevivido durante generaciones, pero Paco Morales ha convertido esa búsqueda histórica en un proyecto mucho más ambicioso dentro de su restaurante cordobés Noor. Carlos Velasco y Chia Chi Hu dirigen Noor: Cocinar pasados posibles, un documental que se adentra en el proceso creativo de un equipo donde también participa Paola Gualandi, y que cuenta con la presencia de Andoni Luis Aduriz y Silvia Vacas, entre otros profesionales vinculados a la investigación gastronómica.
La película sigue el trabajo de un restaurante que utiliza archivos, documentos y estudios sobre diferentes épocas históricas para imaginar cómo podrían haber sido determinados platos y técnicas culinarias, aunque sus responsables son conscientes de que reconstruir exactamente una cocina desaparecida resulta prácticamente imposible. En lugar de presentar sus creaciones como reproducciones fieles de recetas antiguas, Noor utiliza las huellas del pasado y también sus ausencias para construir propuestas contemporáneas que mantienen un diálogo constante con la historia.
El documental viaja desde Córdoba hasta lugares como el Archivo General de Indias, la Alhambra, Milán o Euskadi, mostrando cómo la arquitectura, la artesanía, la música y el pensamiento pueden convertirse en fuentes de inspiración para un plato. Una aproximación especialmente interesante porque permite descubrir que la alta cocina contemporánea no depende únicamente de encontrar ingredientes extraordinarios, sino también de investigar, interpretar y conectar disciplinas que aparentemente no tienen mucho que ver con lo que sucede dentro de una cocina.
El cielo es para siempre: un drama sobre la fe y la persecución religiosa durante la Guerra Civil
La Guerra Civil española continúa siendo una fuente de historias cinematográficas que permiten recuperar experiencias personales marcadas por la violencia y las divisiones de aquella época, aunque sus diferentes enfoques reflejan también las perspectivas desde las que cada película decide acercarse al pasado. Ricardo del Pozo escribe y dirige El cielo es para siempre, un drama protagonizado por Carla Pascual, Olatz Beobide, Paqui Rondan, Ramón Guzmán, Juan del Pozo y Lola Arroyo Prats, que conecta la vida de una familia cristiana contemporánea con el recuerdo de unas mujeres asesinadas durante la persecución religiosa de 1936.
La historia recupera las figuras de María Teresa Ferragud y sus cuatro hijas religiosas, que murieron en Algemesí durante el otoño de 1936, y las relaciona con una familia actual cuya experiencia personal se ve transformada al conocer aquellos acontecimientos. La película utiliza ese encuentro entre dos épocas para explorar cuestiones como la fe, la memoria familiar y la manera en que determinadas convicciones pueden condicionar las decisiones de las personas cuando se enfrentan a situaciones extremas.
Del Pozo apuesta por una propuesta de inspiración cristiana centrada en el testimonio religioso y en la importancia de mantener vivas las historias de quienes sufrieron persecución por sus creencias. Dentro de una cartelera especialmente variada, El cielo es para siempre se dirige principalmente a un público interesado en el cine espiritual y en los relatos históricos vinculados al martirio religioso, aunque también plantea cuestiones relacionadas con la transmisión de la memoria y el papel que desempeñan las convicciones personales en situaciones de conflicto.
La carn: cuando la vida virtual empieza a transformar nuestra identidad
Las relaciones a través de internet se han convertido en una parte habitual de nuestra vida cotidiana, pero esa facilidad para conectar con desconocidos también puede alterar profundamente la manera en que construimos nuestra identidad y decidimos mostrarnos ante los demás. Joan Porcel dirige La carn, un drama español protagonizado por el bailarín y performer Lluís Garau, que explora esas cuestiones desde una perspectiva donde la danza, la creación artística y la exposición personal se mezclan hasta resultar difíciles de separar.
La historia sigue a un joven bailarín que comienza a desarrollar una performance inspirada en una plataforma de videollamadas que conecta aleatoriamente a personas de diferentes lugares del mundo. Lo que inicialmente parece una herramienta para experimentar con nuevas formas de expresión artística termina adquiriendo una dimensión mucho más personal cuando las relaciones que establece a través de la pantalla empiezan a influir directamente en su vida cotidiana y en su manera de comprender el cuerpo, el deseo y la intimidad.
Porcel utiliza esa premisa para cuestionar la frontera entre lo virtual y lo tangible, especialmente cuando la creación artística exige compartir aspectos de uno mismo que normalmente permanecerían reservados a la esfera privada. La película se aleja de las narraciones convencionales para acercarse a una experiencia centrada en la relación entre el cuerpo y la tecnología, convirtiéndose en una de las propuestas más experimentales de la semana y en una alternativa para quienes buscan un cine capaz de explorar nuevas formas de contar historias.
¿Qué película vas a ver este fin de semana?
La cartelera del 13 de noviembre de 2026 llega con suficientes propuestas como para que resulte complicado quedarse únicamente con una, especialmente cuando encontramos el regreso de Johnny Depp en una nueva adaptación de Charles Dickens, una comedia negra de Martin McDonagh con tres grandes intérpretes y una película de atracos que traslada la delincuencia al universo de las redes sociales. Scrooge y los fantasmas de la Navidad tiene el atractivo de recuperar una historia conocida desde una perspectiva más oscura, mientras que Wild Horse Nine parece especialmente indicada para quienes disfrutan de los diálogos ingeniosos y del humor incómodo de su director.
El terror también tiene una representante destacada en Victorian Psycho, con Maika Monroe, mientras que Los rivales de Amziah King reúne a Matthew McConaughey y Kurt Russell en un thriller rural bastante peculiar. El cine español propone dos historias muy diferentes con El niño y ¿Me entiendes o te lo explico?, mientras que La violinista llega respaldada por sus premios internacionales y Ratones al ataque: Operación Navidad ofrece una opción familiar para quienes quieren empezar a entrar en ambiente navideño.
También merece la pena prestar atención a las producciones independientes y documentales de la semana, desde El tren fluvial hasta las propuestas de Isaki Lacuesta sobre el flamenco, el recorrido musical de Fermín Muguruza y los retratos gastronómicos de Pedro Subijana y Paco Morales. Washington: El origen de un líder, El cielo es para siempre y La carn completan una selección que demuestra que el cine puede abordar prácticamente cualquier tema cuando encuentra una historia interesante que contar.
Ahora toca elegir: si solo pudieras comprar una entrada este fin de semana, ¿apostarías por Johnny Depp, por lo nuevo de Martin McDonagh o por alguna de las películas menos conocidas de la cartelera? Nos encantará conocer tus preferencias en los comentarios, especialmente si descubres alguna de esas propuestas que terminan sorprendiendo precisamente porque llegamos a la sala sin demasiadas expectativas.
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